Hola a todos y bienvenidos nuevamente a Why It Works (Por qué funciona). Estaba viendo el listado de anime de la próxima temporada y me encantó ver que la secuela de Laid-Back Camp llegará este enero. Si no la has visto, la primera temporada de este show fue un absolutamente maravilloso slice of life que nos dio el punto medio entre tonterías humorísticas en un club y viajes a maravillosos escenarios naturales.
Algunas veces los viajes de la solitaria heroína Rin tenían lugar prácticamente sin diálogos, simplemente disfrutando del lujo de la tranquila belleza de la naturaleza. Esto me hizo pensar acerca del anime y la atmósfera de forma más general — cómo este medio está enfocado de forma tan única en crear un vívido sentido de estar en un lugar, y cuán increíbles pueden ser los resultados.
El anime es un medio muy enfocado en la atmósfera, en capturar momentos únicos en el tiempo. Pero resulta que esta tendencia va más allá del anime. En su libro Entender el cómic, Scott McCloud apunta al hecho que en la tradición del manga y el cine japonés hay un mayor enfoque en establecer un sentido del lugar, en lugar de seguir a la acción de un punto al otro. Paneles o secuencias completas están frecuentemente dedicados a capturar la atmósfera y la tensión de un momento especifico con un detalle bien elegido cada vez.
En contraste, los cómics americanos y los medios en forma más general, tienden a estar guiados por el ritmo de la trama, la perpetua búsqueda por lo que pasa después, en lugar de explorar la tensión del momento presente. Con suficiente refuerzo, este estilo de narrativa eventualmente puede empezar a sentirse como lo que son las historias — como que una serie o un cómic son esencialmente viñetas de información del argumento, en lugar de una sucesión de escenas que crean una serie de efectos emocionales. Pero en el anime es difícil evitar reconocer la importancia de la atmósfera — incluso en historias de ritmo acelerado que parecen guiadas por su argumento encontrarás con frecuencia el tiempo para dejar respirar una escena.
El término “pillow shot” (plano almohada) se usa con frecuencia para describir escenas que están incluidas pero no para hacer avanzar la narrativa, sino para resaltar un detalle incidental del momento y crear una sensación de espacio y atmósfera. Si se usa correctamente, este estilo crea una experiencia sensorial mucho más convincente y cohesiva en la que realmente te sientes inmerso en el mundo de la historia. Pese a que tendemos a creer que las historias son una discreta secuencia de eventos, esa no es la forma en la que se experimenta la vida — la vida con frecuencia es una serie de vívidos momentos, con calmada atención a puntualizar esos momentos con cada pequeño detalle que todavía están presentes en nuestra memoria.
Personalmente, adoro este tipo de narrativa. La mayoría de los auténticos argumentos no me sorprenden o emocionan en este punto— siento que ya he visto los la mayoría de los tipos principales de narrativa antes, y en general estoy buscando ser más impresionado por la estética que simplemente sorprenderme por un giro de la trama. Por otra parte, historias que capturas de forma efectiva momentos individuales se sientes extremadamente valiosas para mí. Siento que estoy dando un vistazo honesto a otra perspectiva y momento en el tiempo, complementado con el cómo se siente experimentar ese momento desde el punto de vista del personaje. No estoy solo viendo algo nuevo, estoy experimentando la vida como es vivida por otros y ampliando mi propia perspectiva en consecuencia.
Por eso es que muchas de mis series favoritas son de Kyoto Animation. Ellos también priorizan la atmósfera y experiencias vividas de momentos individuales y son realmente buenos captando esos momentos con una belleza inimaginable. Liz and the Blue Bird parece ser la apoteosis de este estilo, una narrativa construida únicamente en base a estos hermosos, atmosféricos y emocionales momentos, complementados con una cinematografía totalmente cautivadora, diseño de sonido y técnicas de postproducción.
Pero incluso en series que no se enfocan principalmente en capturar estos momentos únicos, el poder de esta técnica se puede ver con claridad. La animación en sí misma promueve un sentido de hiperrealidad, un modo de actuar de los personajes que va más allá del realismo puro para entrar en el reino de cómo se siente existir en el momento. Secuencias como la de Rei de March comes in like a lion dejando salir su ira luego de un juego particularmente frustrante, o Hanekawa rompiendo a llorar de un modo más vívido que la realidad, capturan este sentido de hiperrealidad intensamente enfocada. Que no está atada por el asumido realismo de una cámara en acción real, el anime puede embellecer su drama con florituras fantásticas diseñadas para expresar una verdad emocional, recreando visualmente la luz dorada o la horrorosa oscuridad que nuestras emociones pueden arrojar sobre el mundo que nos rodea.
Incluso en títulos más enfocados a la acción, este estilo mantiene su poder. Vamos, algunos de los de los momentos más poderosos de Hunter x Hunter se apoyan únicamente en la tensa atmósfera de un momento, mientras vemos como el rostro de un personaje sufre una terrorífica transformación emocional. Recrear la atmósfera entera de un momento y saborear cada detalle, atrae a la audiencia a que mire atentamente o les captura dentro del fotograma. Entre más capaz seas de crear esta sensación de estar atrapado en la estética, la audiencia reaccionará de forma más poderosa a tus grandes gestos dramáticos.
A la luz de esto, cuando pienses en tus favoritos, intenta desplazarte más allá del reino de lo puramente narrativo de los eventos que tienen lugar, y considera por qué esos momentos te tocaron de forma tan poderosa. Algunas veces es porque son la continuación del arco de un personaje clave, o simplemente una idea ingeniosa dentro de lo abstracto —pero con frecuencia, su poder reside en cuan capaz fue la serie de capturar la atmósfera de ese momento y de atraer a la audiencia a su mundo. El foco atmosférico y ambiental del anime es una de sus mayores fortalezas, ¡y estoy seguro que muchos de sus favoritos se beneficiaron de esta aproximación única al drama!
¿Cuáles son tus momentos perfectamente capturados en el anime? Déjanos tu opinión en los comentarios
Why it Works (Por qué funciona) es una columna de Nick Creamer, quien ha escrito de dibujos animados por muchos años y siempre está listo para llorar por Madoka. Pueden encontrar más de su trabajo en su blog Wrong Every Time, o seguirlo en Twitter.