Mañana celebramos el cumpleaños de uno de nuestros directores de anime favoritos, el profundamente talentoso Shinichiro Watanabe. Incluso entre los fans menos dedicados al anime, el nivel de excelencia y atractivo para nuevos aficionados de obras como Cowboy Bebop hacen de Watanabe un nombre importante en la industria. Pero en conjunto con la calidad fundamental de sus obras, lo que más sorprende de Watanabe es la variedad de sus proyectos y el giro único que le imprime a cada género y tema que aborda. El director toma influencias de una gran variedad de hitos del cine mundial y la amplitud de sus intereses retroalimenta a su propia diversidad de géneros y a la flexibilidad que lleva a cada uno de ellos. ¡Hoy en Why It Works (Porqué funciona) queremos celebrar la variedad y resaltar las fortalezas de cada uno de los trabajos del cumpleañero después de Macross!
Por supuesto, eso significa que vamos a dedicar algunas palabras a Cowboy Bebop. Poco después de Macross Plus, el primer proyecto original de Watanabe combinó sus orígenes en la ciencia ficción con un amplio abanico de fascinaciones personajes, tomando influencias del western, el cine noir y añadiéndolos a la olla antes de poner un poco de funk como aderezo. Ya hemos explorado las MUCHAS influencias de la serie en el pasado (1 y 2), pero incluso sabiendo cuales son los orígenes de todas ellas, eso no explica la forma brillante en que todas las partes funcionan entre sí. Esta serie exuda confianza en cada aspecto de su producción, hilando todas sus referencias e inspiraciones en un todo que luce evidentemente único e irreducible. Su mundo luce afincado en la realidad, un sitio en el que viven y respiran personas, no simples personajes. Desde la solemne historia de Spike hasta los bares llenos de fumadores de Ganimedes. Para todo fan de la mezcla de géneros o la ciencia ficción, Cowboy Bebop es un visionado obligatorio.
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La obra que siguió a Bebop es lo más cercano que ha estado Watanabe nunca de repetir una formula, aunque siendo fiel a su estilo, esto implicó viajar en el tiempo al Japón del periodo Edo e introducir una mezcla nueva de géneros e influencias. Samurai Champloo mezcla las historias de samuráis sin amo recorriendo el país con el hip-hop, introduciendo toques estéticos que van desde la banda sonora hasta toques narrativos como una competencia de grafitis. El resultado es un poco menos cohesivo que el de Bebop, pero sin duda nos ofrece una cantidad desenfrenada de diversión, con Champloo haciendo uso de un tono algo más ligero y una narrativa más episódica. Este anime es uno de los mejores ejemplos de anime de “grupo que se va de aventura sin rumbo fijo”, siguiendo a un trio de incompetentes a los cuales la capacidad con la espada de dos de ellos siempre les saca de aprietos. Con acción y comedia de sobra, Samurai Champloo es la clase de serie que te invita como una bolsa de patatas fritas de la que no puedes comer una sola y siempre tienes espacio para más.
Luego de hacer dos veces consecutivas un “pastiche de géneros con acción y aventura”, Watanabe decidió cambiar de ritmo para su siguiente producción, al adaptar la historia de crecimiento personal Kids on the Slope, basada en el manga del mismo nombre. En contraste con sus trabajos anteriores, este anime es realista y su enfoque está muy ajustado, siguiendo a dos chicos que hacen amistad gracias al jazz durante el verano de 1966. El crisol cultural del Japón posterior a la ocupación proporciona un vívido telón de fondo para la producción más íntima de Watanabe, conforme captura las gigantescas esperanzas y silenciosas decepciones de la adolescencia con gracia y afecto. Y como siempre, el amor por la música de Watanabe brilla en la obra, con el anime estallando frecuentemente con actuaciones musicales asombrosas. Kids on the Slope es un visionado esencial para todos los amantes del drama centrado en los personajes, o cualquiera que esté interesado en ese particular momento en la historia.
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Watanabe continuó su recorrido por dramas más realistas con Terror in Resonance, su producción más abiertamente política. Centrada en un par de terroristas adolescentes que detonan bombas en Tokio, la serie se desarrolla como un juego del gato y el ratón entre la policía y los jóvenes terroristas que buscan desentrañar la conspiración que destruyó sus infancias. Como declaración política, la obra saca a la luz algunos de los efectos más duraderos de la ocupación estadounidense, así como la realidad imposible que enfrenta la generación emergente de Japón. Como un thriller, la serie abraza un cierto grado de absurdo que puede socavar esas ambiciones políticas. Pero dejando de lado esos puntos menos firmes en la historia, los mejores momentos de este anime evocan tanto la desesperanza subyacente como la catarsis despreocupada de la adolescencia moderna, articulando perfectamente esa sensación de huir de tu antigua vida e ir corriendo por una autopista sin un destino. Como una declaración en general, Terror in Resonance se siente como versión animada de “Born to Run”, un grito desesperado e icónico de la juventud rebelde.
Al estilo típico de Watanabe, a su trabajo más serio y político le siguió su obra más irreverente, al dirigir a la absurda Space Dandy. OK, decir que Watanabe “dirigió” Space Dandy no es del todo correcto, en todo caso la estructura libre de “Dandy se embarca en aventuras como cazarrecompensas en el espacio” fue más una invitación para que Watanabe y Shingo Natsume le dieran la oportunidad de brillar a sus talentosos colaboradores. Cada episodio fue producido por un equipo diferente. En consecuencia, Space Dandy sirve como un escaparate para el talento de la industria del anime moderno, con directores de episodios que van desde personas cercanas a Watanabe como Sayo Yamamoto hasta luminarias como Masaaki Yuasa y Eunyong Choi de Science Saru. Los animadores en Japón rara vez tienen la oportunidad de actuar con tanta libertad, y los resultados son muy diversos y, con frecuencia, sorprendentes. Como un hombre cuyo catálogo de obras encarna la diversidad de la que es capaz el anime, es alentador ver a Watanabe usar su influencia para celebrar el talento de sus colegas de profesión.
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Más recientemente, Watanabe encabezó el proyecto del vigésimo aniversario del estudio BONES, el entrañable anime Carole & Tuesday. Centrada en un par de chicas que intentan triunfar en la industria de la música en Marte, Carole & Tuesday tiene solo una pizca de la inventiva de la ciencia ficción, centrándose principalmente en los diversos obstáculos profesionales de las jóvenes aspirantes a estrellas. Es una delicia simplemente pasar el tiempo con el encantador grupo de personajes de la serie, saltando desde viñetas divertidas como sus desventuras grabando videos musicales hasta arcos dramáticos como su paso por una competencia musical. Hermoso, alegre y rebosante de impresionantes actuaciones musicales, Carole & Tuesday es tan reconfortante y agradable como comerse un helado en una tarde cálida. Es la versión de comida reconfortante de Watanabe, y puede que te convenza que la música es capaz de salvar el mundo.
Imagen de Netflix
En última instancia, el catálogo de Watanabe es simplemente un testimonio de lo que cualquiera de sus series podría decirte por si misma: Watanabe ama el cine, contar historias y la música. En particular ama la diversidad salvaje con la que todas estas formas de arte pueden expresarse de una forma significativa. Sus obras demuestran el rango y atractivo del que es capaz el anime, y nuestra propia apreciación del anime se vuelve más rica por cada una de ellas. Cualquiera que sea su próximo trabajo, como mínimo será una sorpresa para todos, y no podríamos estar más felices por eso.
¡Feliz cumpleaños Shinichiro Watanabe! ¡Esperamos ansiosos por su próxima sorpresa!
Artículo escrito originalmente por Nick Creamer, quien lleva muchos años escribiendo sobre el mundo de la animación y siempre está listo para llorar por Madoka. Puedes encontrar más de sus escritos en su blog, Wrong Every Time, o seguirle en su cuenta de Twitter. Adaptación al español de Amílcar Trejo Mosquera.