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Este 2024 marca el décimo quinto aniversario del lanzamiento de la popular novela visual “STEINS;GATE“, y para conmemorar este hito, la desarrolladora MAGES ha presentado una serie de iniciativas para celebrar con los fanáticos. Entre las más destacadas, recientemente se lanzó un video especial que recorre toda la trayectoria de la franquicia, desde su lanzamiento original en 2009, pasando por sus spin-offs y la entrega “STEINS;GATE 0”, hasta el remaster “STEINS;GATE Elite”.

Lo más intrigante del video, sin embargo, es su conclusión, ya que contiene un mensaje para los fanáticos: “STEINS;GATE will continue” (“Steins;Gate continuará”). Inmediatamente después, el video termina con el sonido de un teléfono sonando, dejando a los seguidores con un enigmático teaser sobre lo que podría venir en el futuro de la franquicia.

¿Qué significa esto para la serie? Aunque no se revelaron más detalles concretos, el mensaje ha provocado una ola de especulación entre los fanáticos, quienes ya comienzan a debatir sobre lo que esta nueva etapa podría implicar. Algunos se preguntan si se trata de una secuela directa de STEINS;GATE, o si más bien es un proyecto similar a lo que ocurrió con Chaos;Head y Chaos;Child, otra serie del universo Science Adventure.

• «Steins;Gate will continue – No nos molestaría una nueva historia basada en el concepto de Steins;Gate con nuevos personajes y todo».
• «Me pregunto si lanzarán Steins;Gate 0 Elite – ya que el original tuvo eso».
• «Es probable que se refiera al proyecto que anunciaron en 2020/2021 (no recuerdo exactamente qué año fue)».
• «Espero que no esté demasiado conectado con el anime original, porque sentiría que estarían exprimiendo demasiado la franquicia».
• «Si está relacionado con el Steins;Gate original, no lo quiero. 0 ya fue una gran decepción para mí, y aparte de eso, todas las tramas ya están resueltas».
• «¡Totalmente loco! Me enojaría si esto desmerece el Steins;Gate original, pero esperemos lo mejor si es cierto».
• «Sí, va a continuar. Debido al bajo rendimiento comercial de Chaos;Child, esto llevó al desarrollo de Steins;???, una secuela temática de Steins;Gate. Similar a lo que Chaos;Head es para Chaos;Child. Así que creo que tal vez estén insinuando Steins;???
• «Esa continuación probablemente será como lo que Chaos;Child es para Chaos;Head Noah. De todos modos, lo espero con ansias».

Con el sonido de un teléfono y una promesa vaga, el video conmemorativo del décimo quinto aniversario ha dejado a los fanáticos emocionados pero también llenos de preguntas. ¿Será una secuela directa? ¿Un spin-off con nuevos personajes? ¿O algo completamente distinto?. Lo único cierto es que la franquicia STEINS;GATE está lejos de terminar y, con este nuevo anuncio, los próximos años prometen ser emocionantes para los seguidores de esta aclamada serie.

Fuente: Cuenta Oficial de Twitter

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La reconocida actriz de voz Risa Taneda, famosa por dar vida a personajes emblemáticos como Kaori Miyazono en “Shigatsu wa Kimi no Uso (Your Lie in April)” y Ai Mizuno en “Zombieland Saga”, ha generado un intenso debate en redes sociales debido a su ausencia en nuevos roles durante el año 2024. Los seguidores de Taneda han notado que, desde 2022, cuando interpretó a Kuon en “Utawarerumono: Mask of Truth” y a Yukina Himeragi en “Strike the Blood”, no ha conseguido más papeles protagónicos.

Aunque su talento sigue siendo ampliamente valorado, los fanáticos especulan sobre la razón de su ausencia prolongada en la industria, recordando los problemas de salud que afectaron su carrera en 2016, cuando se tomó una pausa debido a una enfermedad en la garganta. A pesar de su regreso en 2017, su participación en proyectos ha sido limitada en los últimos años, lo que ha llevado a muchos a cuestionar su estado actual y si podrá volver a desempeñar roles importantes en el futuro.

• «Debería lanzar un álbum de fotos».
• «Se notaba que forzaba su voz cuando interpretaba a Kuon en Utawarerumono».
• «¿Qué fue exactamente lo que le pasó a su garganta?».
• «Estaba en camino de convertirse en una de las actrices de voz más populares, pero su cuerpo no resistió».
• «Se escuchaba tan mal que era doloroso escucharla. Ya no habrá más oportunidades para ella».
• «Es una pena porque me encantaba su voz».
• «Me gusta mucho, pero ¿será que ya no puede volver a hablar con esa voz?».
• «Los seiyuu que trabajan con Cygames se dañan la voz rápido. ¿Qué clase de grabaciones hacen?».
• «Su voz era única, inimitable».
• «Si hubiera conseguido el papel de Mash en Fate/Grand Order, las cosas serían diferentes».
• «¿No será que está en licencia de maternidad?».
• «Hace poco fue protagonista en un evento de The Idolmaster».
• «No parece que su salud haya mejorado del todo».
• «Yukina fue su mejor papel. Aunque personalmente me gusta más Sayaka».
• «Me encanta cómo dice ‘Cut-in!’ en Zombie Land Saga, su voz es adictiva».
• «Justo después de su regreso fue doloroso escucharla, ¿cómo le dieron el visto bueno?».

Risa Taneda, aclamada por sus interpretaciones emotivas y su capacidad vocal única, sigue siendo un tema de conversación entre los fanáticos, quienes esperan que pueda recuperar su salud por completo y volver a la industria con más fuerza. Sin embargo, la falta de roles recientes ha generado incertidumbre sobre su futuro en la actuación de voz.

Fuente: Yaraon!

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La semana pasada finalmente se estrenó el primer episodio para la adaptación a live-action del manga “Sono Bisque Doll wa Koi wo Suru (My Dress-Up Darling)”. Aunque los estrenos live-action son menos publicitados que los de anime, la franquicia es lo suficientemente popular como para resaltar incluso en este ámbito.

Por supuesto, este primer episodio cubrió el encuentro entre Marin Kitagawa y Wakana Gojo, con ella pidiéndole que confeccione un atuendo de cosplay basado en Shizuku Kuroe del videojuego “Saint ♡ Slippery’s Academy for Girls”. En este mismo episodio se mostró a Gojo “investigando” el juego en cuestión, con la pantalla mostrando varias ilustraciones del personaje en sensuales momentos.

Curiosamente, en la adaptación al anime nunca se mostró el videojuego en cuestión en esta escena (más allá de una ilustración bondage que apareció en la versión Blu-ray/DVD del segundo episodio. Sin embargo, seguramente ya lo notaste, pero lo que usaron en el live-action simplemente fueron algunos fotogramas del personaje hechos para el anime.

La serie original de “Sono Bisque Doll wa Koi wo Suru” ha ganado una base de fanáticos sólida desde su debut en la revista Young Gangan de Square Enix. Su popularidad se disparó aún más con la adaptación al anime, que fue muy bien recibida por la crítica y los fanáticos, pero que aun no ha conseguido una segunda temporada. Con la llegada del live-action, muchos esperan que capture la esencia de los personajes y la magia de la historia original.

El próximo episodio seguramente se volverá tendencia inmediatamente, en especial porque finalmente se adaptará la escena en donde Gojo toma las medidas de Marin, quien se presenta en su casa usando un traje de baño. ¿Será que la versión con personas de carne y hueso consiga la misma recepción que su homólogo animado?

Sinopsis de Sono Bisque Doll wa Koi wo Suru

Absorto en el negocio familiar de la fabricación tradicional de muñecas, Wakana Gojou es un reservado estudiante de primer año de instituto sin amigos. Con el doloroso recuerdo del desprecio de un amigo de la infancia hacia su interés, Gojou no puede relacionarse con sus compañeros de clase y sus pasatiempos, por lo que acaba aislándose. Gojou aún no ha perfeccionado la elaboración de las caras de las muñecas, pero es excepcionalmente hábil en la confección de sus ropas. Su habilidad con la máquina de coser pronto es descubierta por su bella compañera Marin Kitagawa, cuya audacia y honestidad Gojou admira y envidia. Al instante, comparte con Gojou su propia afición: le gusta disfrazarse de personajes de videojuegos eróticos.

Sin embargo, Kitagawa no sabe coser sus propios trajes, lo que la lleva a buscar la experiencia de Gojou. Al verse arrastrado a las interminables aventuras de la encantadora chica relacionadas con el cosplay, Kitagawa se convierte en su primera amiga que le acepta plenamente. Así, aunque son polos opuestos, su relación florece lentamente gracias a su aptitud para ayudarse mutuamente en el intrincado mundo del cosplay.

Fuente: Twitter

(c)福田晋一 / SQUARE ENIX・ドラマ「その着せ替え人形は恋をする」製作委員会・MBS

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El estreno de la tercera temporada de “Re:ZERO – Starting Life in Another World” ha generado un fuerte debate entre los fanáticos japoneses, especialmente en torno al nuevo diseño de Emilia, uno de los personajes principales. A pesar de que el estudio WHITE FOX sigue a cargo de la producción, los cambios en el equipo creativo han sido evidentes.

Masahiro Shinohara asume el rol de director, reemplazando a Masaharu Watanabe, mientras que la nueva diseñadora de personajes, Haruka Sagawa, ha tomado el lugar de Kyuuta Sakai. Estas modificaciones han sido el centro de la discusión, ya que el diseño de Emilia se ha alejado drásticamente de su versión en la primera temporada, lo que ha generado opiniones encontradas entre los internautas.

Los comentarios se han centrado principalmente en un aspecto que no ha pasado desapercibido: el aumento notorio en el busto de Emilia, algo que muchos fanáticos han señalado y que ha generado comparaciones con otros personajes de la serie, como Rem. Aquí algunos de los comentarios más destacados de la comunidad:

• «El busto está mucho más grande, lo que me llamó la atención desde el principio».
• «¿Por qué han aumentado su pecho? Nadie pidió eso para Emilia».
• «Es un cambio bueno, sigamos adelante».
• «¿Realmente era necesario hacerla ver como una hechicera con ese enorme busto?».
• «Parece que están intentando compensar la ausencia de Rem con este tipo de cambios».
• »¿El vello de esta chica también es blanco?».
• «Así parece una exhibicionista».
• «Si ha pasado un año en la historia, esto es normal».

Este cambio de diseño ha llevado a algunos a sugerir que el aumento en el busto de Emilia es un intento de mantener a los fanáticos interesados ahora que Rem, uno de los personajes más populares, no aparece en los episodios recientes. Aunque muchos se quejan de que el cambio es innecesario y poco fiel al personaje original, otros han mostrado su apoyo a las decisiones del nuevo equipo, alegando que este rediseño podría atraer a más audiencia.

• «La razón por la que Emilia no era tan popular como Rem podría estar relacionada con su diseño anterior. Hacerla más atractiva visualmente puede ser una buena estrategia».
• «En un mundo donde la magia es real, no es raro que algo como el tamaño del busto cambie».
• «A diferencia de la perdedora, ella es la heroína principal, así que, por supuesto, va a ser manoseada constantemente».
• «Ha superado a Rem, que tenía fama por sus grandes atributos».
• «La verdad, tuve el mismo pensamiento, pero en las temporadas anteriores Emilia era tan pura para ser la heroína que le faltaba algo de atractivo, así que creo que es una buena idea llevar el lado sexy ahora que Rem no está».
• «De hecho, Emilia siempre ha tenido un busto más grande que Rem».
• «Rem se volvió más popular que Emilia, así que cuando Rie Takahashi (voz de Emilia) estaba en el programa de radio con Inori Minase (voz de Rem), empezó a llorar de repente, diciendo que Emilia era la heroína principal».
• «Siempre se burlaban de Emilia por ser una heroína plana, o un personaje de fondo con buen diseño. Ahora que la atención está en su busto, hacerlo más grandes fue la decisión correcta».

Fuente: Yaraon!

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Un video del anime “Ranma 1/2” de 1989 ha vuelto a ser tendencia en redes sociales, gracias a que los fanáticos comenzaron a revalorar la calidad del diseño de personajes y la animación que caracterizó a esta serie clásica. En particular, muchos han destacado el detallado movimiento de los bustos de los personajes femeninos, una animación que ha sido objeto de admiración por su técnica y por la libertad creativa que, según los comentarios de la comunidad, ya no es posible encontrar en la animación moderna.

The Old Ranma Anime was something else… pic.twitter.com/MwKim5kLjD

— PAINT | CEO OF NOELLE (@Paint_Your_Mark) October 12, 2024

Los usuarios han compartido sus impresiones, señalando que “Esto es lo que hace a Ranma, Ranma“, y que la animación de esa época tenía un “estilo incomparable” con los estándares actuales. Un comentario en particular menciona: “En esa época había muchos animadores talentosos… pero todos se han ido“. La nostalgia se mezcla con la tristeza de los fanáticos que lamentan la pérdida de esa generación de animadores que dieron vida a estas series icónicas. Además, otros comentarios como “Siento el espíritu artesanal en el movimiento del busto” resaltan la dedicación y el detalle minucioso en la animación de los años 80.

Sin embargo, esta tendencia se ha visto acompañada por el reciente lanzamiento de un remake de “Ranma 1/2” producido por los estudios MAPPA, que actualmente se está emitiendo. Aunque este remake ha sido bien recibido, es inevitable la comparación con la versión original. Los cambios en la animación son evidentes, no solo por los avances tecnológicos, sino también por las normas de emisión que se deben seguir hoy en día. Los tiempos han cambiado, y mientras que en 1989 se podían mostrar torsos femeninos desnudos de manera regular en la televisión, ahora las restricciones son mucho más estrictas. El remake ha adoptado un estilo de animación moderno y más sutil, ajustándose a las reglas actuales de censura.

Los fanáticos han notado estas diferencias, expresando que el nuevo estilo es más conservador y menos expresivo en cuanto a la representación de los personajes femeninos. Uno de los comentarios más recurrentes ha sido: “A punto de desbordarse y muy cercano a lo atrevido“, refiriéndose a la manera en que los animadores de antaño lograban balancear lo sensual con lo artístico sin cruzar líneas que hoy en día resultarían imposibles en la televisión.

A pesar de las diferencias en estilos y normas, el remake ha generado mucha expectativa y ha servido para reavivar el interés en el anime clásico. Sin embargo, para muchos, el original de 1989 sigue siendo insuperable, con fanáticos afirmando que “Lo he visto tantas veces que perdí la cuenta“. El impacto cultural de “Ranma 1/2” se mantiene firme a través de los años, demostrando que la calidad de animación y el diseño de personajes clásicos continúan capturando la imaginación de las nuevas generaciones.

Fuente: Otakomu

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El autor Bkub Okawa, creador del popular manga y anime “Pop Team Epic“, se encontró recientemente en el centro de una controversia luego de publicar una ilustración fanart del personaje Marina Ida de la franquicia “Splatoon”. El dibujo fue criticado por usuarios de Occidente debido a que el tono de piel del personaje, que originalmente es oscuro, fue retratado en una versión más clara.

• A la izquierda el diseño original, a la derecha el fanart de Bkub Okawa.

Tras las críticas, Okawa compartió una disculpa pública a través de sus redes sociales, donde expresó lo siguiente:

• «Esta es una aclaración sobre el fanart. Recibí comentarios de que la piel de Ida era más clara que en el diseño original, y que esto era considerado racismo hacia los afrodescendientes. Yo también considero que si Ida fuera humana, probablemente sería negra. Mi falta de habilidad en la coloración provocó que no fuera precisa. Lo siento».

Este incidente generó una oleada de comentarios, especialmente en redes sociales japonesas, donde muchos usuarios criticaron la hipocresía de los occidentales que suelen transformar personajes de piel clara en versiones de piel oscura, pero se ofenden cuando ocurre lo contrario. A continuación, algunos de los comentarios más destacados:

• «¡Dejen de lado los dobles estándares!».
• «Los negros no pueden crear, pero sí pueden robar el trabajo de otros, ¿no?».
• «Esto es claramente racismo hacia los japoneses y su cultura».
• «No entiendo por qué los estadounidenses de piel clara están tan obsesionados con la piel oscura».
• «Bueno, los negros miran por encima del hombro a los japoneses».
• «Está bien hacer fanart de personajes como negros si el creador no lo prohíbe, pero si hacemos lo mismo y, además, sin ninguna intención racista, pasa esto».

Un sector de la comunidad también instó a los artistas japoneses a no disculparse ante estas críticas, argumentando que ceder ante estas demandas solo invita a más ataques. Un comentario popular expresó:

• «Nunca debes disculparte ante estas personas. Son unos locos. Si te disculpas una vez, te acosarán para siempre y exigirán cada vez más concesiones a su enfermiza visión política. Ignora a los comunistas y comparte tu talento con orgullo».
• «Es como si conviertes pan normal en pan relleno de frijol dulce, o como si quitas la chuleta de un curry de chuleta. Cada país debería hacer sus propias versiones de las cosas».
• «Estaba esperando el momento en que Japón se diera cuenta de que el racismo generalizado solo es permitido cuando cierto grupo lo hace. Voy a buscar mis palomitas».

Mientras tanto, otros usuarios expresaron su frustración con la percepción de que los fanáticos occidentales están imponiendo su visión sobre los creadores japoneses, lo que muchos consideran un ataque a la libertad creativa.

• «Los globalistas usan a los negros como herramientas convenientes para sus propias agendas, como lo hacen con BLM y otras campañas».
• «En el fondo, siguen cargando con su historia de esclavitud y tienen esa mentalidad de por vida».
• «¿Por qué la gente siempre pone monos en lugares donde no deberían estar?».
• «Son feos por dentro y por fuera, por eso todo lo que tocan lo hacen feo y racista».

Este incidente ha abierto un debate mayor sobre la apropiación cultural y el racismo inverso dentro de las comunidades en línea, y ha servido como otro recordatorio de las tensiones culturales entre Japón y Occidente en cuanto a la representación de personajes en el arte y la cultura pop. Sin embargo, también hubo voces que pidieron calma y comprensión, señalando que no todos los occidentales comparten este tipo de comportamientos:

• «Lamento que esto esté ocurriendo. No todos somos así».
• «Un tipo negro aquí. Esto no es un intento de borrar la cultura japonesa, como otros estadounidenses tratan de decirles. De hecho, es una forma de mostrar cariño (aunque les pueda parecer raro), es como conectarnos entre nosotros. Parece que los estadounidenses en este hilo están tratando de hacernos ver como imbéciles».
• «Sí, los negros son increíblemente arrogantes en nuestro país. Sienten una gran inseguridad racial cuando se comparan con los blancos, así que tratan muy duro de compensarlo».
• «Ellos ignoran por completo la identidad asiática. Supongo que todos son así».

La controversia continúa, y el caso de Bkub Okawa pone en evidencia cómo las diferencias culturales pueden generar malentendidos y tensiones en las plataformas digitales, donde las normas sociales varían considerablemente entre países.

Fuente: Twitter

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Un reciente hilo en Twitter que recopila los nombres de varios seiyuus que fallecieron en 2024 se ha vuelto viral, causando gran conmoción entre los fanáticos del anime. La lista incluye a icónicos actores de voz como TARAKO (Sakura Momoko), Minori Terada (Muska), y la legendaria Nobuyo Ooyama (Doraemon), entre otros. La publicación ha generado una ola de tristeza, ya que muchos de estos actores dieron vida a personajes que marcaron generaciones.

El hilo, que menciona a varios seiyuus fallecidos este año y su personaje más representativo entre paréntesis, presenta una lista devastadora:

• TARAKO (Sakura Momoko).
• Minori Terada (Muska).
• Yasuo Muramatsu (Pisco).
• Keiko Yamamoto (Bakabon).
• Hideyuki Umezu (Zazu).
• Eiko Masuyama (Fujiko Mine).
• Katsue Miwa (Mokuba Kaiba).
• Taiki Matsuno (Kindaichi).
• Noriko Ohara (Nobita).
• Atsuko Tanaka (Motoko Kusanagi).
• Emi Shinohara (Sailor Jupiter).
• Nobuyo Ooyama (Doraemon).

La reacción en redes sociales fue inmediata. Muchos usuarios comentaron sobre lo doloroso que ha sido este año para la industria del anime, expresando su pesar por la pérdida de grandes figuras que dieron voz a personajes tan queridos.

Uno de los comentarios más populares decía: “El 2024 ha sido demasiado cruel… Mis más sinceras condolencias“. La lista no solo resalta la cantidad de fallecimientos en este año, sino que también muestra lo significativa que ha sido la pérdida de estos seiyuus para los fanáticos.

Las respuestas al hilo muestran el impacto que estas muertes han tenido en la comunidad. Un usuario lamentaba la muerte de Atsuko Tanaka, conocida por su papel como Kusanagi Motoko en Ghost in the Shell, comentando: “La muerte de Atsuko Tanaka es la más difícil de procesar para mí, ella aún estaba en plena actividad” . Otro usuario expresaba su preocupación sobre cómo estas pérdidas afectarían a la industria: “Con la muerte de Nobuyo Ooyama, me pregunto qué será de la voz de Doraemon en el futuro” .

Un usuario remarcó que muchos de los seiyuus fallecidos este año ya habían alcanzado una edad avanzada, y que, aunque es doloroso, “varios de ellos vivieron vidas largas y llenas de logros” . Sin embargo, la muerte de Taiki Matsuno, que falleció a los 56 años, fue un golpe duro para muchos. “Matsuno era demasiado joven para morir“, comentó otro usuario .

Algunos usuarios, aunque afectados por las noticias, intentaron encontrar algo de consuelo. “Todavía nos quedan voces icónicas como las de Gokú, Conan o Luffy, aún podemos estar tranquilos por ahora” , comentó un fanático en un intento de mantener la moral alta, pero para otros, la serie de fallecimientos de figuras tan legendarias solo trae preocupación para el futuro. “Prepárense, porque las noticias de más leyendas fallecidas seguirán llegando, esto apenas empieza” , advirtió un usuario.

Fuente: Yaraon!

La entrada Los seiyuus que hemos perdido en este 2024 se publicó primero en Kudasai.

La fabricante independiente ZH Studio ha colaborado nuevamente con la distribuidora orzGK para ofrecer a los fanáticos una exclusiva figura a gran escala que seguramente llamará la atención de los coleccionistas. En esta ocasión, el adorable personaje de Anya Forger de la popular franquicia “SPY x FAMILY” adopta el emblemático atuendo de la Chica Maga Oscura, uno de los personajes más queridos del universo de “Yu-Gi-Oh!”. La figura tiene su lanzamiento programado para junio de 2025.

Anya Forger, con su expresiva carita y su distintiva personalidad traviesa, ha sido transformada para esta colaboración en la poderosa hechicera. Los detalles de la figura destacan por su diseño meticuloso, comenzando con el atuendo clásico de la Chica Maga Oscura: un elegante sombrero de maga en tonos morados y rosas, una varita mágica dorada y las botas características del personaje. Además, se puede apreciar a Anya sobre un pedestal que emula un círculo mágico, con símbolos arcanos que recuerdan a los usados en los duelos de la serie original de “Yu-Gi-Oh!”.

La figura captura la esencia de ambos personajes, combinando la ternura de Anya con la imponencia de la Chica Maga Oscura. Los colores vivos, las expresiones encantadoras y los elementos mágicos hacen de esta pieza una verdadera obra de arte que cualquier fanático desearía tener en su colección.

La figura está disponible para reservación a través de orzGK, con una oferta exclusiva que permite a los interesados apartar la pieza con un depósito inicial de solo 30 dólares. Esta oferta única permite a los coleccionistas asegurar la figura sin necesidad de pagar su precio total inmediatamente, lo que la hace accesible para un mayor número de fanáticos.

Con un lanzamiento previsto para junio de 2025, los seguidores de “SPY x FAMILY” y “Yu-Gi-Oh!” ya están expresando su entusiasmo en redes sociales, destacando la originalidad de la combinación de ambos universos. ZH Studio y orzGK han creado una pieza que no solo captura la nostalgia por el mundo de los duelos de monstruos, sino que también incorpora la frescura de uno de los personajes más queridos del anime actual.

Fuente: Distribuidora orzGK

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Un reciente informe de Google ha arrojado datos interesantes sobre el interés global en el género de anime y manga conocido como Netorare (NTR), basado en el volumen de búsquedas del término “NTR” en la plataforma durante los últimos doce meses. Aunque el estudio incluye a todos los países del mundo, hemos decidido enfocarnos en los resultados de Latinoamérica, una región donde el género ha captado la atención de un número significativo de usuarios.

Los países de América Latina que aparecen en el informe, junto con su posición general en el ranking global, son los siguientes:

• Bolivia (10); Perú (15); México (16); Ecuador (19); Guatemala (21); Chile (22); Argentina (24); Venezuela (25); Colombia (32); Brasil (34).

Bolivia encabeza la lista latinoamericana, ubicándose en el décimo lugar a nivel mundial, lo que indica un notable interés en el género. Le siguen países como Perú, México y Ecuador, que también figuran dentro del top 20. Incluso Brasil, que es el país latinoamericano con menor posición en este ranking, se encuentra dentro de los primeros 40 del mundo.

¿Qué es el género Netorare (NTR)?

El término Netorare (NTR) se refiere a un subgénero de ficción, principalmente dentro del anime, manga y videojuegos hentai, en el que la trama gira en torno a la infidelidad y la pérdida del ser amado. Generalmente, el personaje principal es engañado o traicionado por su pareja romántica, lo que provoca una sensación de impotencia, celos o angustia emocional. Este tipo de narrativa ha generado controversia, ya que su naturaleza puede ser emocionalmente impactante para los espectadores, y la premisa en sí es percibida como provocadora.

A pesar de la carga emocional que conlleva, el NTR ha ganado popularidad por varias razones. Algunos fanáticos ven en él un género que explora los límites emocionales del romance y la posesión, mientras que otros encuentran fascinante la complejidad psicológica que implica la traición y el conflicto de poder en las relaciones. La tensión dramática y el conflicto emocional pueden crear una historia intensa que atrapa a quienes buscan narrativas cargadas de emociones fuertes.

Es interesante notar cómo este tipo de contenido ha encontrado un público amplio en Latinoamérica, una región con fuertes valores tradicionales sobre las relaciones y la fidelidad. Sin embargo, la accesibilidad de este tipo de contenido en Internet y la creciente popularidad del anime y el manga en la región han permitido que géneros más especializados, como el NTR, encuentren su lugar entre los aficionados.

Fuente: Google Trends

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En los últimos días, un debate ha capturado la atención de la comunidad de anime en Reddit, bajo la pregunta: “¿Algún otro anime ha perdido calidad tan rápido como Uzumaki?“. Este hilo de discusión nació a partir de la decepción generalizada con la adaptación al anime de “Uzumaki: Spiral into Horror”, basada en la icónica obra de horror del mangaka Junji Ito.

El principal detonante de la discusión fue el fuerte contraste entre los episodios 1 y 2 de la serie. Un usuario resumió el sentimiento generalizado diciendo: “El primer episodio fue como un regalo del cielo, y luego el segundo… ya saben lo que pasó“. La calidad de animación, que en un principio parecía ser fiel al estilo artístico y terrorífico del manga, cayó abruptamente en el segundo episodio, dejando a muchos espectadores sorprendidos y decepcionados.

Los fanáticos que habían alabado el primer episodio por su atmósfera envolvente y animación detallada, se encontraron con un segundo capítulo que, según varios comentarios, carecía del mismo nivel de detalle y parecía casi hecho por aficionados. “El segundo episodio se sintió como un retroceso masivo“, comentó otro usuario, quien señaló que el bajón de calidad fue tan marcado que parecía que dos equipos de animación completamente diferentes habían trabajado en cada episodio.

Este debate en Reddit no solo refleja la desilusión de los fanáticos con la adaptación de “Uzumaki”, sino que también plantea una pregunta más amplia: ¿qué otros animes han mostrado un descenso de calidad similar en sus primeros episodios? Varios usuarios compartieron sus experiencias con otras series, en las cuales sintieron que la calidad de la animación cayó drásticamente después de un inicio prometedor.

• «The Detective is Already Dead».
• «Diría que Uzumaki es definitivamente un caso único. Normalmente no excluyes al director principal de la serie de las reuniones de producción, ni subcontratas la mitad del show a un estudio de outsourcing pequeño y contratas a un director vetado para hacer el episodio lo más rápido posible».
• «Recuerdo que este año la calidad de la animación del anime Whisper Me A Love Song fue decayendo progresivamente con cada episodio debido a problemas de producción en YAL y CloudHearts. Llegó al punto de que los últimos dos episodios fueron retrasados indefinidamente».
• «Berserk 2016 prácticamente cayó en calidad en el momento en que terminó el opening».
• «Ninja Kamui. No puedo creer que me encantaron los episodios 1 y 2. El resto son mediocres o malos».
• «Reincarnated as a Spider tuvo una caída muy drástica en calidad hacia el final. Una pena porque antes de eso era un show bastante sólido».
• «Ninja Kamui. Ojalá no hubieran usado armaduras ninja mecha».
• «Magia Record estuvo lleno de altibajos, especialmente en la segunda temporada. Los primeros episodios son buenos, luego la animación y el ritmo se vuelven irregulares, después el show recuerda cómo ser bueno por unos episodios, pero luego la calidad vuelve a caer».
• «Wonder Egg Priority».
• «The Promised Neverland Temporada 2, empezó decentemente y luego eliminaron el Arco de Goldy Pond, y fue una espiral descendente en cuanto a calidad y contenido desde ahí».
• «Kare Kano tuvo un episodio en su segunda mitad donde los personajes eran retratados como recortes toscos pegados a palitos de helado. En un momento, uno de ellos fue incendiado para representar enojo. Nadie hace desastres de producción como Gainax».
• «Hikari no Ou».
• «Gundam Wing tuvo una seria caída de calidad en su segunda mitad. No es tan evidente a menos que hagas maratón, entonces te das cuenta de que hay tantas animaciones recicladas que es una locura. Algunas peleas se repiten cuadro por cuadro con solo música y fondo diferentes durante como cinco episodios seguidos. Se volvió tan malo que casi se convirtió en un meme ver a Wing Zero girar con sus dos cañones, y eso se volvió su ataque final en muchos juegos de Gundam, pero en realidad solo viene de un presupuesto menguante».
• «Zom 100 pasó de tener una animación extremadamente vibrante, colorida y apasionada a tener una calidad técnica bastante común en unos pocos episodios. Parte de esto se debió a la dura producción del show, lo cual es irónico considerando lo anti-trabajo que es el propio anime».
• «Dragon Ball Super episodio 5 fue bastante infame. Lo arreglaron un poco para el Blu-ray, pero dios santo. También hubo un episodio en el arco de la Resurrección de Freezer que fue súper malo. Aquel donde Goku agarra su cola y Freezer lo hace girar. Sí, ese. Qué bueno que eventualmente se recuperaron, pero fue duro durante muuuuuucho tiempo. Usualmente les digo a las personas que solo vean las películas para los primeros dos arcos».
• «Tan rápido, probablemente no. Pero ya mencioné Muv-Luv Alternative: Total Eclipse. Tuvo una historia algo similar a Uzumaki: el director inicial se gastó demasiado en los primeros 3 episodios, fue degradado y el resto de la serie se veía horrible».
• «Unnamed Memory. Me encantó la premisa del primer episodio, después todo se fue en picada bastante rápido».
• «The Girl and Her Guard Dog (ese show raro donde el interés amoroso masculino dice que es su esposo, padre y hermano o algo así) realmente no tuvo una caída de calidad porque nunca fue bueno desde el principio, pero dios, qué mal era. La ropa de los personajes cambiaba aleatoriamente en medio de las escenas y cosas así también».
• «Seven Deadly Sins es otro obvio, qué pena».
• «No sé si he visto un show caer en calidad después de un episodio, pero hubo un isekai que salió el año pasado donde el último episodio fue literalmente solo escenarios ambientales mientras los actores de voz hablaban».
• «Ese episodio de Dororo».
• «No veo tanto anime, pero en mi opinión, Ninja Kamui encaja en esta categoría».
• «Wizard Barristers cayó duro en la segunda mitad, si mal no recuerdo, el episodio final era mayormente fondos y clips anteriores pegados juntos».
• «Hand Shakers. Y eso ya es decir mucho».
• «One Punch Man temporada 2 fue una gran caída en comparación con la temporada 1».
• «Ese episodio de Gurren Lagann».
• «No es terriblemente malo, pero algunos de los nuevos episodios de Tower of God definitivamente han caído en calidad de animación, específicamente en las escenas de pelea».
• «Blue Lock tuvo bastantes».
• «No puedo recordar el nombre, pero hay un isekai al estilo de SAO donde aparentemente los animadores renunciaron para el episodio 3. Tiene 12 episodios».

Fuente: Reddit

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